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Quattro giorni a Pisa: il Tuttomondo di Keith Haring arriva sul grande schermo

Alle tre del mattino, dal balcone dell’albergo di fronte, Keith Haring vedeva ancora arrivare persone. Si fermavano davanti al muro, lo guardavano, ne parlavano. «È la prima volta che dipingo un murale abitando proprio dall’altra parte della strada – racconta l’artista davanti alla macchina da presa – La mattina, appena sveglio, la prima cosa che vedo è il muro. La sera, l’ultima». È il giugno del 1989 e la parete è quella laterale del convento di Sant’Antonio Abate, a pochi passi dalla stazione di Pisa.
Quelle immagini tornano ora al pubblico. Giovedì 1° ottobre alle 18, all’Auditorium del Complesso di San Micheletto, il Lucca Film Festival presenta in prima mondiale la versione integrale di Tuttomondo, il documentario prodotto da Andrea De Gioia e diretto da Andrea Soldani, all’interno della rassegna “Arte e Musica sul Grande Schermo”. Il film, già mostrato nel 2025 in una proiezione privata a New York presso The Center, storico punto di riferimento della comunità LGBTQ+, racconta la nascita dell’ultima grande opera pubblica permanente di Haring. Praticamente un manifesto del suo pensiero e dei diritti che lo hanno sempre visto schierato.

Dal Greenwich Village a Sant’Antonio

La storia comincia nell’inverno del 1987 nel Greenwich Village. Roberto e Piergiorgio Castellani, padre e figlio, imprenditori di Pontedera, incontrano per caso Haring e gli propongono un grande murale in Toscana. L’idea iniziale guarda a Firenze, ma è Pisa a raccoglierla. Il priore del convento, padre Luciano Masetti, accetta che il linguaggio della strada entri in dialogo con la parete di una chiesa. Haring ha trentun anni, ha già esposto a Documenta, alla Biennale del Whitney e a Venezia, ha dipinto il Muro di Berlino. A Pisa lavora gratuitamente.
Tre giovani pisani — Andrea De Gioia, Roberto Burchielli e Andrea Soldani, fondatori di Interference — decidono di seguirlo con la cinepresa per tutta la durata del lavoro.

Il cantiere danzante

Il documentario restituisce il ritmo di quei cinque giorni. Il tempo di Haring a tracciare le figure con il nero da solo, poi le ore con cinque ragazzi a stendere il colore. Infine una giornata per i ritocchi.
Sull’impalcatura c’era una grande cassa acustica. La musica, spiega Haring, serve a mantenere l’energia e la concentrazione, a isolarsi da quanto accade intorno e a dare al gesto «un ritmo, una battuta». L’ultimo giorno, sotto il ponteggio, arrivano un DJ con i giradischi e ragazzi che ballano breakdance. «È diventato un evento più che una pittura – dice – Qualcosa di cui tutti fanno parte, una collaborazione tra me e l’intera città».

Un messaggio per i secoli

Nel film Haring si sofferma anche sul significato dell’opera, pur preferendo lasciarne la lettura a chi guarda. A New York, osserva, un murale come quello contro il crack funzionava da cartellone: parlava di un problema del momento ed era destinato a sparire. Tuttomondo appartiene invece a una chiesa e dovrà durare centinaia di anni, per questo il messaggio doveva essere universale, capace di assumere «un significato ancora più ricco tra cinquanta o duecento anni». Le trenta figure incastrate l’una nell’altra diventano così una metafora del mondo e della sua armonia, «un’idea di pace». Quanto al titolo, Haring ricorda di aver lasciato quasi tutte le sue opere senza nome. «Se dovessi sceglierne uno, sarebbe qualcosa come Tuttomondo. Qualcosa sul mondo. È il mondo». Lo dice in italiano. E commuove.

Lo sguardo di chi era sull’impalcatura

Tra i ragazzi che stendevano il colore c’era Alessandro Romanini, allora studente universitario, oggi storico dell’arte, professore e curatore della rassegna lucchese. Rivedere quelle immagini, racconta, lo riporta a un’epoca in cui l’arte internazionale arrivava in provincia attraverso le riviste, come Interview di Andy Warhol reperibile a Firenze o a Milano, e conservava «un’aura quasi mitologica». A Pisa sbarcava l’artista che aveva fatto della democratizzazione dell’arte la propria battaglia: i disegni nella metropolitana, il Pop Shop, la collaborazione con Fiorucci nel 1983.
Romanini sintetizza quell’eredità in una formula: «semplicità del segno e profondità del messaggio». Un’iconografia archetipica — il bambino radiante, il cane, la maternità, a Pisa anche il serpente tagliato dalle forbici e le figure che sorreggono la croce cittadina — piegata all’impegno civile, dalle campagne contro l’AIDS a quelle contro l’apartheid. E il muro come supporto primario, visibile a tutti e gratuito, in una logica di divulgazione che secondo Romanini anticipa quella dei social network. «Insieme a Basquiat, Haring ha portato la street art dalle pareti della città alle gallerie e ai musei, destinando parte dei proventi alla sua fondazione e a cause filantropiche», precisa Romanini.

Il patrimonio digitale ritrovato

La nuova versione del film aggiunge un capitolo poco noto: settanta disegni e animazioni realizzati da Haring al Paintbox per il progetto audiovisivo, recuperati nel 2023 durante la ricostruzione degli archivi originali grazie al contributo di Adrian Wilson, curatore di una delle principali collezioni di opere digitali degli anni Ottanta. Materiale rimasto invisibile per oltre trent’anni, che documenta l’interesse dell’artista per i nuovi linguaggi negli ultimi mesi di vita. Haring avrebbe dovuto vedere il documentario finito. La morte, nel febbraio del 1990, glielo ha impedito.
Alla proiezione seguirà un incontro con il regista, il produttore e Piergiorgio Castellani, ingresso libero con prenotazione su luccafilmfestival.it.

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 29 settembre 2026

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Spring Wind The Awakening: il documentario su Magyar sbarca in Italia

Sestri Levante ospita il 5 maggio la prima mondiale fuori dall’Ungheria del film che ha seguito per oltre un anno la parabola politica del nuovo primo ministro ungherese, visto da 3,3 milioni di persone prima del voto.

Quando un documentario viene visto da un terzo della popolazione di un paese prima delle elezioni, cessa di essere soltanto un’opera cinematografica. Spring Wind – The Awakening, diretto da Tamás Yvan Topolánszky e prodotto da Claudia Sümeghy, ha percorso esattamente una traiettoria inusuale, con 140.000 spettatori in sala durante la campagna elettorale ungherese e poi la scelta di renderlo accessibile gratuitamente online. Risultato: 3,3 milioni di visualizzazioni in un paese di nove milioni di abitanti. Il giorno dopo, Péter Magyar e il suo partito Tisza hanno conquistato 137 dei 199 seggi parlamentari disponibili, ponendo fine a sedici anni di governo di Viktor Orbán.

Sarà proprio questo film ad aprire, martedì 5 maggio, la decima edizione del Riviera International Film Festival di Sestri Levante. Si tratta della prima assoluta al di fuori dell’Ungheria, dove il documentario è distribuito nelle sale e sulla piattaforma HBO locale. La scelta è un gesto di affetto di Topolánszky che al RIFF aveva presentato nel 2019 il suo primo lungometraggio, Curtiz, vincendo il premio per la miglior regia, e dove era poi tornato come membro di giuria nel 2023. «Sentiamo il Riviera International Film Festival come la nostra casa creativa», ha dichiarato il regista.

Un anno in incognito accanto al candidato

Il metodo di lavoro scelto da Topolánszky e Sümeghy ha determinato la qualità del materiale raccolto. Per più di un anno, una piccola troupe ha seguito Magyar. A volte in incognito e altre volte palese, la camera ha seguito il candidato nei tour nazionali, nei comizi, nelle conversazioni informali e in molte occasioni all’interno della sua abitazione privata. Il risultato è un ritratto che va oltre la cronaca politica per restituire decisioni umane, motivazioni, momenti di dubbio. Il tutto in una texture di una campagna condotta sotto pressione costante in un ambiente mediatico ostile. Il documentario è stato realizzato senza fondi pubblici né incentivi fiscali statali, in una scelta obbligata dettata dal controllo esercitato dall’esecutivo Orbán sull’ecosistema culturale ungherese.  È diventato ciononostante uno dei documentari più visti nella storia del paese.

«Spring Wind è per noi più di un documentario – spiegano gli autori – È la testimonianza di un momento storico. Crediamo che abbia contribuito al dibattito pubblico che ha portato alla fine dei 16 anni di potere di Viktor Orbán. Il nostro obiettivo non era interpretare il cambiamento dall’esterno, ma catturarlo dall’interno, rivelandone le dimensioni umane e sociali».

Spring Wind The Awakening: il documentario su Magyar sbarca in Italia

Il contesto: cosa cambia in Ungheria

Magyar è atteso all’insediamento intorno al 15 maggio. Tra i primi impegni annunciati, lo smantellamento delle strutture mediatiche allineate al governo uscente costruite nel corso di un decennio e il ripristino di relazioni distese con l’Unione europea, che con Orbán aveva attraversato anni di tensione sistematica sul fronte dello stato di diritto. Già nelle ore successive alla vittoria, Magyar è intervenuto in diretta su una radio pubblica contestandone apertamente la mancanza di indipendenza editoriale. Il National Film Institute (NFI) ha nel frattempo sospeso le proprie attività in attesa del cambio di governo. Il commissario governativo per il cinema Csaba Káel, figura emblematica del sistema clientelare orbaniano, ha perso il proprio incarico. Diversi registi e produttori ungheresi avevano chiesto pubblicamente le sue dimissioni già in campagna elettorale.

A sottolineare la dimensione civile del progetto, Topolánszky e Sümeghy hanno annunciato che l’11% dei proventi netti del film sarà destinato a iniziative di protezione dell’infanzia e salute mentale giovanile. «La vita pubblica è stata spesso plasmata dalla paura e dalla divisione – spiega Sümeghy – Abbiamo sentito la responsabilità di restituire qualcosa, soprattutto ai bambini, che sono tra i più colpiti dalle tensioni sociali».

Un modello per l’Europa

La vicenda ungherese, e il ruolo che un documentario indipendente ha saputo giocare al suo interno solleva interrogativi che vanno ben oltre i confini nazionali. In un’epoca in cui il populismo ha costruito la propria egemonia anche attraverso il controllo dell’informazione e la delegittimazione sistematica dell’opposizione, la figura di Magyar e lo strumento del cinema documentario come vettore di consapevolezza civica indica una possibile grammatica alternativa. Quella di un’Europa che, invece di cedere alla logica dello scontro permanente e dell’interesse nazionale come unica misura del reale, torna a riconoscere nel diritto internazionale, nella cooperazione istituzionale e nella libertà di stampa le fondamenta di una convivenza possibile. Se il populismo ha prosperato nell’opacità, la risposta di Topolánszky e Sümeghy è stata radicalmente opposta, basata su trasparenza, accesso libero, prossimità umana al proprio soggetto. Un antidoto che, almeno in questo caso, ha funzionato.

Spring Wind The Awakening: il documentario su Magyar sbarca in Italia

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 5 maggio 2026

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La grande paura di Hitler: quando il pensiero libero diventa un crimine

Lo sguardo di Adolf Hitler campeggia sul grande schermo mentre prendo posto all’anteprima de La grande paura di Hitler – Processo all’arte degenerata. La sensazione è che fissi ognuno di noi, ignorando la testa antropomorfa appoggiata sul palco. È la riproduzione di Grande Tête di Otto Freundlich, scultore ebreo, comunista e “degenerato” secondo il Führer. Freundlich fu assassinato a Majdanek nel 1943. La sua opera, scelta come simbolo della mostra sull'”arte degenerata”, rappresentò per il regime il volto stesso della decadenza. Oggi, a distanza di quasi un secolo, quella piccola forma scultorea sembra guardare verso l’alto, nella rivincita silenziosa del “degenerato” che sopravvive al dittatore.

È il racconto della guerra che il nazismo dichiarò a uomini, popoli, immaginazione, libertà creativa e pensiero critico, linfa vitale della democrazia, ieri come oggi.

Processo all’arte moderna

Il documentario prende le mosse dalla mostra Arte degenerata programmata nel 2025 al Musée Picasso di Parigi, e ricostruisce l’esposizione del 1937 a Monaco di Baviera, concepita da Hitler e Goebbels per umiliare e condannare l’arte moderna. In quella mostra, i nomi di Matisse, Chagall, Picasso, Beckmann, Modigliani, Van Gogh vennero bollati come “malati”, “ebrei”, “omosessuali”, “bolscevichi”. Le loro opere furono ritirate dai musei tedeschi, bruciate o vendute per finanziare la macchina bellica.

Attraverso materiali d’archivio e testimonianze di storici come Cécile Bargues, Piers Brendon, Giovanni Dall’Orto, Norman Foster e altre voci autorevoli, il documentario mostra come l’attacco nazista alle avanguardie artistiche fu parte di un progetto più ampio: eliminare ogni forma di dissenso, cancellare la complessità, sostituire la realtà con un’estetica di purezza e obbedienza.

La grande paura di Hitler: quando il pensiero libero diventa un crimine

La libertà prima del buio

Nel film scorrono le immagini di una Berlino del 1930 viva, aperta, cosmopolita. Una città dove la musica jazz suonava nei cabaret, dove la cultura omosessuale trovava spazi di libertà e dove le avanguardie artistiche sperimentavano linguaggi nuovi. Eppure, dietro quella vitalità, il seme del totalitarismo stava già germogliando. Il contrasto risulta quasi fisico allo spettatore, come un presagio.

“Come può l’arte essere considerata una minaccia?” È la domanda che attraversa tutto il film. E la risposta, implicita, è che l’arte — come la libertà di pensare — è per sua natura sovversiva. Lo era per il nazismo, lo è ancora oggi in ogni sistema che teme la complessità. L’odio di Hitler per la modernità aveva radici nel culto dell’ordine e della purezza: tutto ciò che si rifiutava di piegarsi al modello del “corpo sano della nazione” doveva essere espulso.
Le avanguardie, invece, raccontavano il dolore, la deformità, la solitudine, la città moderna e i suoi fantasmi: i mutilati di guerra, gli emarginati, gli omosessuali, i poveri. L’umanità reale, quella idealizzata dal regime restava altrove. L’arte diventò “degenerata” perché mostrava la verità.

La grande paura di Hitler: quando il pensiero libero diventa un crimine

Raccontare il passato per capire il presente

«Riguardare oggi quella vicenda serve a capire le conseguenze delle azioni di un potere assoluto – spiega Didi Gnocchi, autrice e produttrice del film – Abbiamo scelto di rispettare la complessità: il documentario offre un modo per rimettere in fila i fatti e capire come i regimi usano la paura per cancellare la libertà di espressione».

Nel film, la ricostruzione della Grande Tête di Freundlich diventa un gesto simbolico: restituire dignità a chi fu distrutto in nome della purezza. «Più la guardi, più ti rendi conto che contiene l’essenza dell’uomo – racconta Gnocchi – Un uomo che resiste».

La grande paura di Hitler è un viaggio nella memoria, insieme a un atto politico e civile. «Un’opera indispensabile che andrebbe proiettata nelle scuole – afferma lo storico Marcello Flores, tra i massimi esperti italiani di Genocide Studies, intervistato a proiezione terminata – Solitamente la storia politica e la storia dell’arte procedono separate, quando invece risultano profondamente connesse. Questo lavoro mostra come si possano intrecciare gli aspetti della vita in una narrazione unitaria».

Ogni volta che un potere teme un quadro, un libro o una canzone, probabilmente c’è un segno di vitalità democratica da difendere. Come scriveva Heinrich Heine, “là dove si bruciano i libri si finisce per bruciare gli uomini”. Oggi i libri rimangono sugli scaffali, le idee continuano a bruciare. Ed è per questo che questo lavoro — e la memoria che porta con sé — resta necessario.

Diretto da Simona Risi, su soggetto di Didi Gnocchi prodotto da 3D Produzioni e distribuito da Nexo Studios, il documentario sarà nelle sale italiane come evento speciale il 3, 4 e 5 novembre.

La grande paura di Hitler: quando il pensiero libero diventa un crimine

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 2 novembre 2025

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Parità e rispetto dell’altro e di sé, senza non c’è l’8 marzo

Con le scene delle ragazze iraniane avvelenate, questo 8 marzo sarà ancora più amaro. Non posso non pensarci quando vedo una donna che sorride sincera con la mano nella mano di chi ama, un gruppo di studentesse che scherzano alla fermata dell’autobus, un’impiegata serena nella sua postazione di lavoro, solo per fare tre esempi a cui ho assistito stamattina.

Eppure quello che vedo non è la situazione di tutte. Drammaticamente.

A ricordarcelo è anche un film documentario nella sale italiane. Woman è firmato da Anastasia Mikova e Yann Arthus-Bertrand. Nel film, 2000 donne di 50 paesi e di diversa professione, educazione, fede, si sono raccontate davanti alla camera. La Mikova ricorda che quando le donne si sono sedute per l’intervista è come se fosse scattato un interruttore. «Tenevano dentro tutto e non aspettavano altro. Per la prima volta qualcuno era lì per ascoltare davvero la loro storia – ha dichiarato la regista – per questo abbiamo deciso di tenere solo il loro volto e la loro voce senza condizionamenti, per ascoltare cosa significasse essere una donna. Abbiamo chiesto di tutto, dalla famiglia, al lavoro e all’empowerment, e ne sono uscite anche delle storie terribili, che fanno capire che la vita di una donna è molto spesso una battaglia».

Anastasia Mikova è ucraina, e quando penso a lei mentre parla, non posso non pensare alla situazione del suo paese, dove alle donne tocca una guerra nella guerra.

Mi rendo anche conto che spesso un microfono o una telecamera accesa siano già una fortuna. Temo che il sommerso sia molto, anche in Italia. Ne ho voluto parlare con la senatrice Giulia Bongiorno, fondatrice di Doppia Difesa e dunque molto informata sulla situazione reale del nostro Paese.

«Secondo alcuni rapporti, circa otto donne su dieci non denunciano. Il punto, però, non sono solo i numeri ma anche le ragioni del silenzio: timore di non essere credute, vergogna, sfiducia nelle forze dell’ordine e in generale nel sistema giudiziario, tendenza a sminuire e sopportare temendo guai peggiori, anche per il presunto bene di eventuali figli. Non ci sono molti dati sulle donne transgender: in gran parte vivono la sessualità quasi da clandestine, dunque sono portate a denunciare ancora meno delle altre».

Allora, forse, una telecamera o una notizia sono davvero importanti, anche se è inevitabile il rischio che certe scene siano incoraggiate dal sapere che è già successo qualcosa di simile, una sorta di emulazione dell’orrore.

«Le discriminazioni e le violenze sulle donne sono sempre avvenute – precisa la Bongiorno – spesso nascono da un’idea della loro presunta inferiorità, purtroppo molto radicata e dunque difficile da estirpare. Oggi se ne parla di più, anche grazie alle tante strutture come la nostra che hanno “acceso un riflettore” sul tema. Oltre che con gli aiuti legali e psicologici, Doppia Difesa è attiva sia sulla sensibilizzazione, abbiamo sempre detto che la violenza è anche un problema culturale, sia sul piano normativo: abbiamo sostenuto nel 2009  l’introduzione del reato di stalking, nuovo per l’Italia, e più di recente il cosiddetto Codice Rosso, che accelera l’adozione delle misure di protezione. Su questo specifico punto, abbiamo notato che non sempre viene rispettato e stiamo portando avanti un rafforzamento delle norme volte ad aiutare le donne subito dopo la denuncia».

È naturale chiedersi allora se ci siano regioni o città in cui si stia meglio, in cui ci si possa sentire più protette. «La violenza, soprattutto all’interno della coppia, è trasversale, non conosce differenze di provenienza geografica, ceto, età o estrazione culturale. È interessante tuttavia notare che, tra gli omicidi volontari commessi tra il 1° gennaio e il 18 dicembre 2022, sono state uccise 119 donne, di cui 97 in ambito familiare/affettivo; di queste, 57 hanno trovato la morte per mano del partner/ex partner.  Nelle coppie, l’equilibrio è troppo spesso pregiudicato da convinzioni culturali e comportamenti stereotipati che sminuiscono la donna».

Se la legge c’è, ma i dati continuano a rimanere questi, la soluzione va forse cercata (anche) fuori dai canali legislativi. I primi a cui penso sono quelli relativi all’educazione. La scuola può fare qualcosa? Io non sono una donna, non potrò mai dire “ti capisco” perché le cicatrici sono a volte troppo profonde. Però posso provare a vestire i panni altrui e rendermi conto che, se si cresce in una società con valori forti e condivisi fin dalla scuola, qualcosa è probabile che cambi.

«La violenza nasce anche dalla discriminazione – mi aiuta Giulia Bongiorno – dunque se si diffondono valori come parità e rispetto dell’altro e di sé, e se per esempio si fa capire, in primis alle donne, che non esistono “lavori da donne” e “da uomini”, che anche in casa è necessaria una condivisione degli oneri, le cose miglioreranno. Le famiglie e la scuola devono aiutare i bambini a capire il prima possibile concetti come l’uguaglianza nella diversità e il valore dell’indipendenza economica, superando ruoli stereotipati anche nella vita familiare e di conseguenza, poi, nel mondo del lavoro».

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 7 marzo 2023

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Al MoMA la Wunderkammer di Guillermo del Toro

Ogni essere umano vive sulla terra un lasso di tempo che per la Natura è un battito di ciglia. Eppure, in questa brevità che chiamiamo esistenza, alcuni di noi provano a fissare qualcosa dei principi che regolano l’universo.

C’è chi lo fa seguendo un percorso di studi che ricalca la scienza, mentre altri si affidano all’idea delle suggestioni che testimoniano il trascorrere del tempo attraverso oggetti o emozioni. E se un oggetto solitario rimane un oggetto, appena se ne affianca un altro affine, assieme possono già diventare una collezione. È il principio delle wunderkammer, spazi nati per stupire, studiare, ricordare concentrando in essi rarità e curiosità da esibire. Possono essere luoghi fisici come i sotterranei di un castello, o ambienti virtuali come quelli di un film.

La serie Netflix Cabinet of Curiosities firmata da Guillermo del Toro rivela la psicologia che porta a fissare ciò che si considera straordinario.

«Cabinet of Curiosities è una serie che ho sempre desiderato produrre – dichiara il regista premio Oscar – un’antologia che ho chiesto a più registi di interpretare in diversi episodi. Ogni puntata presenta aspetti meravigliosi, alcuni appetitosi e attraenti come una pietanza che si assapora meglio a ogni morso, altri capaci di evocare mostri da cui scappare al solo evocarli. Con Cabinet of curiosities ho cercato di far capire come il mondo può essere orribile e meraviglioso allo stesso tempo».

Al MoMA la Wunderkammer di Guillermo del Toro

Tutto il senso della meraviglia di Guillermo del Toro si respira nel Pinocchio recentemente prodotto. Il MoMA a New York ospita fino ad aprile una straordinaria collezione di oggetti che hanno contribuito alle suggestioni del film. Scenografie, personaggi, bozzetti, story boards e props raccontano come il senso della meraviglia possa essere interpretato con l’arte cinematografica.

Al MoMA la Wunderkammer di Guillermo del Toro

«Nessuna opera ha influenzato la mia vita e il mio lavoro più dell’animazione e nessun singolo personaggio nella storia ha avuto un legame così profondo con me come Pinocchio», ha precisato il regista. Guillermo del Toro: Crafting Pinocchio è una mostra unica nel suo genere per come illustra tutta la produzione del lungometraggio, il primo animato in stop-motion di Del Toro. È un’innovativa reinterpretazione del romanzo per bambini scritto da Carlo Collodi del 1883 e che il regista ha deciso di ambientare nell’Italia dell’era fascista. Nell’esposizione, inaugurata in concomitanza della prima del film, i visitatori sperimentano l’esperienza di trovarsi su un set cinematografico, con un team internazionale di designer, artigiani e artisti dell’animazione.

Per lasciarsi emozionare, la New York Public Library propone la Polonsky Exhibition of The New York Public Library’s Treasures, una mostra assaggio del patrimonio che per più di 125 anni la biblioteca ha raccolto, preservato e reso accessibile promuovendo la conoscenza del mondo. Per la prima volta, sono in mostra alcuni degli oggetti più straordinari tra i 56 milioni in suo possesso, narrando storie di persone, luoghi e momenti che abbracciano 4000 anni, dall’emergere della parola scritta fino ai giorni nostri.

Al MoMA la Wunderkammer di Guillermo del Toro

Se alcune collezioni hanno oggetti di valore inestimabile e possono essere ammirate da tutti nei musei, altre camere delle meraviglie sono alimentate dalla fantasia di pochi fortunati e da un mercato che muove milioni di euro.

Per avere un assaggio di questo mondo, si può visitare la Brafa Art Fair di Bruxelles, una vetrina eccezionale di pezzi rari che vanno dall’età del bronzo ai giorni nostri. Se mai doveste decidere di iniziare una vostra wunderkammer personale, o foste anche solo curiosi di avvicinare questo mondo, sappiate che Brafa è il posto giusto, occasione per scoprire la capitale del Belgio e una delle fiere d’arte più antiche del mondo.

Al MoMA la Wunderkammer di Guillermo del Toro

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 3 febbraio 2023

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“Are You Proud?”, il documentario sulla comunità LGBTQ in Inghilterra

Nelson Mandela disse che «essere liberi non è solo aver tolto le catene, ma vivere in modo da rispettare e aumentare la libertà degli altri». Con l’inizio di giugno e del mese dei Pride, mi piace ricordare questa frase a chi chiede se c’è ancora bisogno di sfilate, carri, canti e interruzioni del traffico connesse.

La risposta è nelle news. L’Italia non è affatto libera da omofobia e discriminazione, a partire dal mondo della scuola. Le reazioni che arrivano sono per certi versi incoraggianti, come il #siamotuttifroci dell’Istituto di Brindisi che è insorto per difendere uno studente insultato, ma il lavoro da fare resta tanto. C’è ancora molta semina che ci aspetta. Per me, da Milano, 40 anni fa non fu facile crescere sentendosi chiamare “finocchio”, ma si trattò comunque di un percorso attutito dall’avere una comunità attorno, dai primi tentennanti momenti di consapevolezza al coming out. Sono stato molto fortunato rispetto a tanti, troppi, altri casi. La verità è che l’Italia non è Milano.

Nemmeno la “civilissima” Europa è libera da omofobia. In Francia si segnala un aumento del 36% di vittime di attacchi omofobi. La società polacca è a proprio agio con l’idea di aree LGBTQ free. In Ungheria si sono preoccupati di fare una legge che vieti la “promozione” dell’identità LGBTQ ai minori usando lo stesso criterio di censura per i film dell’orrore.

Le cose non vanno bene nemmeno nel resto del mondo. La mappa ILGA delle leggi concernenti l’orientamento sessuale è praticamente ferma a toni di colore medievali, con metà del pianeta che persegue penalmente chi si riconosce nella comunità LGBTQ.

Ecco perché la guardia non va mai abbassata.

Al recente Lovers Film Festival di Torino, la direttrice Vladimir Luxuria ha presentato la versione italiana del documentario Are You Proud?, distribuito dalla Magnitudo Film con un calendario speciale che prevede proiezioni speciali su richiesta dei comitati Pride nelle date delle rispettive manifestazioni. È la prima volta che succede nel nostro paese.

«È un modo per avvicinarsi ancora di più alla comunità – dichiara Francesco Invernizzi della Magnitudo – I più grandi nemici dei diritti LGBTQ sono stati l’invisibilità e il silenzio. Quando si rimane nell’ombra, quando non ci si rivela per quello che siamo, l’ignoranza prevale. La paura prevale. L’omofobia prevale. La prima volta che vidi questo documentario, pensai subito che parlare della storia dei Pride era parlare dell’uscita dall’ombra, della vittoria della luce sugli atteggiamenti e sui pensieri più cupi».

Firmato dal giovanissimo Ashley Joiner, “Are You Proud?” è la documentazione della presa di coscienza della comunità LGBTQ e dei Pride in Inghilterra. Contiene storie cha partono da esperienze di soldati gay nel secondo conflitto mondiale. Passa dall’attacco frontale della Thatcher al diritto inalienabile di essere gay. Arriva all’incitamento alla folla del sindaco di Londra con l’ “Are You Proud?” che diventa il titolo del film.

Nell’inquadrare il documentario, aiuta l’opinione di Valerio Barbini, attivista de I Sentinelli di Milano. «Negli ultimi anni, in Italia ma non solo, si manifesta un nuovo interesse per la storia LGBTQI+. A raccontarla non é più solo il lavoro fondamentale di attiviste e attivisti, ma il disporre finalmente di prodotti editoriali, film, documentari. “Are you proud?” mi pare un lavoro prezioso per la capacità di riportare l’evoluzione del movimento, inglese ma con un occhio internazionale. Molto si sta pubblicando per raccontare e approfondire passaggi chiave ed episodi particolari, ma “Are you proud?” riesce a raccontare il percorso della comunità, senza perdere dettagli importanti e i passaggi principali, con prezioso materiale d’archivio e interviste a protagonisti delle vicende».

È importante che il documentario arrivi in Italia mentre si sta sempre più strutturando anche nel nostro paese la presa di coscienza popolare sulla storia dei movimenti LGBTQ. A dimostrarlo è la nascita del comitato italiano del LGBTQ+ History Month, che nasce proprio per dare rilievo al passato, perché solo imparando dalla storia possiamo affrontare il futuro. Lo auspica Barbini riferendosi ad Are You Proud: «Il documentario si chiude raccontando quelle che ora sono le avanguardie del movimento, nuove soggettività che pretendono, anche in maniera critica, di avere voce, di avere spazio, portando l’attenzione sull’importanza di un approccio inclusivo e davvero intersezionale. “Are you proud?” ci accompagna dalla storia al futuro del Pride, come momento politico vivo, di celebrazione e di lotta. É qualcosa che serve e che non c’era».

Esattamente come i pride.

“Are You Proud?”, il documentario sulla comunità LGBTQ in Inghilterra

Pubblicato originariamente su HuffPost Italia il 1 giugno 2022

Terra degli Orsi

Just Look Up, Please

Just look up, perché tutto è già successo

Questo è un post per chi ha già visto Don’t look up, la produzione Netflix che continua a far parlare di sé.

Non è una recensione, perché ce ne sono già di ottime in queste pagine. È piuttosto un breve riassunto del perché andrebbe considerato con un’angolazione documentaristica anche se si tratta di un prodotto di fiction. Può sembrare un ossimoro, ma se fotografiamo il film per singoli argomenti non lo è. Tutto è già successo. Il poster stesso dichiara che il film è basato su fatti realmente possibili, ma è più corretto affermare che tutto quel che c’è nel film si è già verificato (e dovrebbe farci riflettere).

È un esempio di vena comica su un evento catastrofico, come ci erano già passati Stranamore e un’indimenticabile pagina di Stefano Benni. Nel piccolo delle nostre esistenze, non siamo distanti dalla vis comica di Fantozzi, una vita reale che viene estremizzata al ridicolo anche se Fantozzi è tutti noi.

Quando si entra al museo di Storia Naturale a Londra, all’inizio del percorso di visita, una lunga linea del tempo ci ricorda che gli ELE (Extinction Level Event – eventi di portata tale da provocare l’estinzione di massa) sono fenomeni naturali e il nostro pianeta ne ha già vissuti almeno cinque. Dunque il film parte da un presupposto reale e possibile per quanto raro.

Proprio per questa rarità, tutta la macchina narrativa è un pretesto. Nessun politico denuncerà l’arrivo di un killer di pianeti contro il quale potremo ben poco e che quando arriverà sarà tenuto nascosto il più possibile per non creare panico. Lo sapremo da qualche scienziato e attraverso la rete. Il film, come spiega Leonardo di Caprio nel suo commento, è un monito a non ignorare i messaggi della scienza. Sul clima – e non entro nel merito della cronaca covid – la scienza è continuamente messa in discussione contro l’evidenza dei dati.

Nel film il suo personaggio lo ribadisce più volte: ragioniamo sulle evidenze inconfutabili.

Il paradosso continua con certe abitudini reali della comunità planetaria. In ordine sparso qualche esempio.

Il proprietario della Bash è un business guru che fonde Steve Jobs ed Elon Musk. Ma soprattutto raccoglie consensi grazie a un’ottima comunicazione progettata per attirare profitti. Confermata dai “we love you” urlati dalla platea e ribaditagli da un bambino che il businessman disprezza. Il denaro e i consensi mossi dai poteri forti aprono facilmente le porte della Casa Bianca e, letteralmente, della stanza dei bottoni che faranno tornare a terra tutti i missili anticometa. Senza tirare in ballo l’astronomia, questi poteri si sono già visti con gli oleodotti avvallati dalle amministrazioni Bush ed ereditati da Obama.

Lo staff della Casa Bianca nel film è una macchietta dell’amministrazione Trump. Non credo alle dichiarazioni della produzione quando afferma che la scelta di Merryl Streep sia arrivata dopo il rifiuto di altre attrici. Interpretare la presidente degli USA è stata una magnifica risposta agli attacchi personali subiti da Trump che la definì “sopravvalutata”. Così indossa il cappellino, scimmiotta in pubblico, nomina il figlio capo di gabinetto. Con Trump si era istituzionalizzato il nepotismo.

Siccome l’ex-presidente era impossibile da volgere al femminile, sulla costruzione del personaggio gli sceneggiatori hanno guardato a Sarah Palin, l’ex governatrice dell’Alaska che si faceva ritrarre col fucile.

Sul tema del non essere troppo crudi con le cifre, invece, i creativi hanno attinto al marketing e si sono basati sulle tecniche presenti nello sketch delle sette linee rosse tracciate con l’inchiostro blu, giusto perché “non bisogna mai essere troppo negativi”.

La nota comica sulla parte televisiva parte dal nome della trasmissione condotta da Brie-Cate Blanchett: Daily RIP. Rip è l’acronimo di rest in peace, riposa in pace. La conduttrice interpretata da Cate Blanchett è un’insulto/denuncia al fatto di essere in video dopo aver portato a letto due presidenti. È praticamente la parodia discutibile del come fare carriera in salsa Weinstein.

Sempre in tema media, se non si viene bene in tv, è pronta la macchina bullizzante che umilia la scienziata interpretata da Jennifer Lawrence. Di casi simili ne è piena la cronaca. La stessa macchina acchiappalike si incendia con la cantante pop interpretata da Ariana Grande, parodia che è via di mezzo tra Chiara Ferragni e le minidive del mondo giapponese.

Un’ultima riflessione scaturisce dai costumi, dove la fiction è stata più realista del re. Vogue ha pubblicato un’intervista a Susan Matheson, la costumista. Leggendola, Ci si rende conto che anche l’apocalisse vuole la sua immagine e non bisogna cascare nella trappola dell’outfit sbagliato.

Melania Trump, elegantissima e bellissima, scivolò sull’abbigliamento visitando un centro di detenzione per bambini lungo il confine col Messico indossando un impermeabile con una scritta che suonava più o meno come un “non me ne frega davvero niente”. Nessuno a Hollywood avrebbe osato tanto. Ma dal vero è successo. Segno che quando ci raccontano una cosa, per quanto incredibile, faremmo meglio a domandarci cosa ci stia dietro. O Sopra. Just look up, please.

Terra degli Orsi

C’era una volta (quel) west

Se doveste pensare a un luogo tranquillo dove andare in vacanza e vi piacesse da morire il cinema, ho il posto che fa per voi. Nell’estate in cui sarà meglio avere un po’ di spazio intorno, ecco un angolo d’Europa perfetto per isolarsi come in un film di Lawrence d’Arabia, avventuroso per scoprire l’Indiana Jones che è in voi, ideale per calarvi nel west che ci ha fatto sognare.

Ad attestarlo non sono (solo) io ma la European Film Academy, che ha dichiarato il deserto di Tabernas, in Andalusia, “tesoro della cultura cinematografica europea”. Questa parte della Spagna è strana, non aspettatevi la movida di altre aree. Già il piccolo aeroporto è una scommessa sui freni dell’aereo per non finire a mollo. Giuro, parla una foto per me. Ma il resto arriva subito a ruota.

C’era una volta quel

Vai in albergo e trovi il corridoio costellato delle immagini dei divi che sono passati di lì a girare. E ti viene normale fare la foto tra le star, ma è solo l’inizio. Per i più giovani il riassunto degli scenari potrebbe farlo il video Boum Boum Boum di Mika. 

Per gli over 40 il riferimento principale è invece al western. Non Arizona o Texas. Ma una terra con strade che tirano dritte come un colpo di fucile e ci trovi il Black Hotel della serie Black Mirror, oppure sterrati contorti che serpeggiano tra le rocce e sei nel West. Non è un West qualsiasi. Niente Arizona o Texas. È quello che c’è nella testa di quando ero bambino, davanti a uno schermo di cinema largo come tutta la parete dell’oratorio, che mi sembrava ancora più grosso un po’ perché ero piccolo io e un po’ perché non avevo ancora iniziato a viaggiare e il mondo mi sembrava molto più grande. 

Mi lasciavo ingoiare dalla panca in legno col sedile basculante che era duro e mi costringeva ad alzare la testa per guardare. Dovevo tenere il collo un po’ piegato all’indietro e alla fine mi sentivo pure indolenzito, come se avessi cavalcato anche io nello schermo tra quelle montagne. 
Però ero nel film. Lì, a fianco di Henry Fonda e Charles Bronson mentre si guardavano in faccia per minuti infiniti prima di premere il grilletto fatale. Ero al fianco di Clint Eastwood a dargli man forte mentre faceva il giustiziere dell’avamposto di San Miguel. C’ero anche quando la dinamite fece saltare i binari sotto la vaporiera costretta a inginocchiarsi nella prateria mentre partiva l’assalto al treno tra urla e spari. 

Sono sempre stato più attratto dagli indiani che non dagli “altri”. Soldati, banditi o cow boys che fossero. Perché vivevano nei tee pee lungo il torrente anziché nelle case scricchiolanti, perché erano nudi e non coperti da pastrani che puzzavano a vederli, perché l’aria del villaggio pellerossa era sempre più sana che non quella fumosa del saloon. Probabilmente il me bambino conteneva già molti dei pezzi di quel che oggi è l’adulto. Uno che sta meglio vicino ai ruscelli, è più a suo agio in maglietta che non in cravatta, è allergico ai locali e appena può fugge dal casino. Il bimbo di città di allora vive oggi tra i boschi dove la sera vengono a trovarlo lupi e cinghiali.

C’era una volta quel

Quello spigolo iberico dove l’ultimo lembo di Europa guarda in faccia l’Africa, sapendo di averle rubato un pezzo di landa desolata, contiene ancora molto di quei film. Cammini nel deserto di Tabernas tra le location ascoltando le musiche di Morricone. Piangi dalla bellezza. Dall’emozione. Alcune case le hanno tenute in piedi lasciandole invecchiare, altre le hanno ricostruite, rendendole un po’ troppo pulite. Ci fanno anche delle rievocazioni, ma troppo Gardaland per essere davvero western. Mika è lì, nella finzione, ma tu vai oltre.

Se ti procuri una brava guida, la cosa cambia. Jorge Rubio ha lasciato la strada per portarmi nell’alveo di un torrente in secca. L’ho misurato tutto a testate incastrato tra panca e tetto della vecchia Nissan della Guardia Civil. Avrei dovuto capirlo prima di salirci che la scritta Rolling Almeria non era un’insegna ma una dichiarazione di intenti. Finite le rollate si è iniziato a camminare, tra radi cespugli con i pali del telegrafo che punteggiavano la prateria tracciando una linea verso dei ruderi. Il set di Sergio Leone. L’Hotel Coyote con le finestre a incorniciare il deserto, la casa dello sceriffo con la prigione, perfino la forca con la corda che ondeggia nel vento secco. 

Noi da soli, sul set spento dal 1966.  Loro giravano e io nascevo, vedi che coincidenza. Ma non è solo West, il deserto di Almeria. Jorge era ben attrezzato e mi ha mostrato come da lì fosse passato il Patton Generale d’Acciaio scritto da un giovane F.F. Coppola, con una fiumana di carri armati prestata dall’esercito spagnolo. È anche il posto dove Harrison Ford e Sean Connery hanno duellato con il tank nazista nella saga di Indiana Jones.

È passata di qui anche la più costosa delle serie, la più famosa, la più sopravvalutata. Il regno dei Dothraki in Game of Thrones era a Tabernas. Nel deserto sono spuntati due cavalli rampanti, uno di fronte all’altro a formare un maestoso arco. Ambientazione pomposa anche alla rocca di Almeria, con le scene della reggia del sud affacciate su un giardino fatto di cascatelle che ricordano il passato arabo e il culto di chi aveva già capito quanto l’acqua fosse preziosa.

C’era una volta quel

Potenza della fantasia e della pioggia di milioni rovesciati dalla post produzione della HBO se il deserto di Tabernas continua a entrare nelle nostre case. Chissà cosa direbbe oggi Sergio Leone di tutto questo, lui che per risparmiare scelse di portare il West – e me – in quest’angolo di mondo rendendolo più vero dell’originale.

Terra degli Orsi

Mentre #iorestoacasa i viaggi sono virtuali

Dopo questa tempesta, da qualche parte, dovremo pur ricominciare. Senza dimenticare l’ #iorestoacasa, è giusto tener presente che, oltre la nostra porta, abbiamo sempre e comunque il Paese più bello del mondo. Quello che, prima o poi, tutti torneranno ad invidiarci. È solo questione di tempo. Alla stregua di una piccola valvola di sfogo, ecco qualche suggerimento per uscire di casa solo virtualmente visitando luoghi fantastici attraverso contenuti internet di alta qualità e dall’accesso gratuito.

A Torino come tra le piramidi

Il primo spunto è rivolto a Torino. Nel cuore della capitale sabauda, Christian Greco ci porta nel meraviglioso mondo dei faraoni. Amerete questo direttore di museo che rompe ogni schema per accompagnarci nella storia con la freschezza di un amico d’infanzia che ti porta nella sua stanza dei giochi. È smart nel muoversi tra le teche e i reperti, è capace di attirare e mantenere l’attenzione sui pezzi unici a prescindere che siate un adolescente o un arzillo papà di Indiana Jones, è estremamente competente nel tracciare i collegamenti attraverso le sezioni della collezione egizia più grande del mondo all’esterno dei confini del regno del Nilo.

I grandi artisti al cinema

Un altro spunto ci arriva dalla casa di produzione Magnitudo Film. Attraverso la sezione del suo sito Magnitudo Film Per l’Italia, ha messo a disposizione degli insegnanti e degli appassionati tutti i titoli della stagione appena conclusa. Si parte dal celebrato Leonardo con interventi, tra gli altri, di Massimo Cacciari, Stefano Boeri e del direttore emerito degli Uffizi Antonio Natali. Tra gli altri titoli disponibili gratuitamente spiccano Gianlorenzo Bernini, illustrato nella magnifica cornice della Galleria Borghese, e Antonio Canova, con la carrellata completa delle opere del maestro che furono raccolte dal fratello nella casa museo di Possagno. Mathera ci porta nelle suggestioni della città dei Sassi mentre Palladio ci accompagna tra le perle delle ville venete fino ad una capatina all’ombra del campanile di San Marco.

Plutone e Proserpina, da “Bernini” della MagnitudoFilm

Essere in casa immersi nell’alta definizione è un invito ad calarsi nei backstage dei musei. Vi siete mai chiesti quanta maniacale attenzione ci sia nella cura per le opere d’arte? In tutto il mondo, uno dei punti di riferimento è l’Opificio della Pietre Dure di Firenze. Un viaggio a misura di microscopio ci mostra come da un dipinto si arrivi a un mosaico rinascimentale. Il filmato rientra nel ciclo “La cultura non si ferma” del Mibact. Ampliando l’orizzonte oltre i confini nazionali, il sito dello Smithsonian ha una sezione specifica dedicata al virtual travel. 

I musei imperdibili

L’articolo più recente, suggerisce una serie di luoghi immancabili che vanno dai Musei Vaticani al Louvre, dal Guggenheim di New York alla National Gallery di Londra, fino ad arrivare al Thyssen-Bornemisza di Madrid e al Museo nella casa natale di Anna Frank. Se siete cintura nera di documentari, appassionati d’arte fino al midollo e non avete ancora visto l’Ermitage, potreste cogliere l’invito di Apple. Per dimostrare le capacità di ripresa dell’ultimo modello di smartphone, ha pubblicato una strepitosa sequenza di oltre cinque ore (cinque!) attraverso i corridoi degli zar a San Pietroburgo.

Nessuno ha scelto volontariamente il periodo di clausura che stiamo attraversando, ma vivere una pandemia coperti da una buona connessione web ha indiscutibilmente i suoi vantaggi. Possiamo scegliere di subire il momento o possiamo decidere invece di considerarlo un’occasione di formazione e magari di scelte future. Guardiamo al lato positivo: quando saremo liberi di spostarci avremo una lista di luoghi da spuntare scoperti nel web. Avete presente la lista dei posti da vedere almeno una volta nella vita? Ecco, immaginate però che sarà ancora più bella perché in cima all’elenco ci saranno innanzitutto le nostre piazze, i nostri parchi e i nostri vicoli, quelli che abbiamo fuori dalla finestra e che non ci parrà vero ricominciare a frequentare. Partirà da lì il nostro nuovo giro del mondo.

Questo articolo è pubblicato anche sull’Huffington Post.

Terra degli Orsi

#SeEsciSeiFuori: il tempo in casa nel tempo del virus

#SeEsciSeiFuori: vademecum per adolescenti e

Questo Virus è davvero drammatico, ma nella catastrofe gli va riconosciuto il merito di averci fatto riscoprire una parte di noi che non era affatto scontata. Nel risparmiare commenti sui (sempre meno) disgraziati che ostentano spavalderia in un momento fragile come quello che stiamo vivendo, mi colpiscono le iniziative che in rete incoraggiano comportamenti responsabili, da Alberto Angela alla pagina facebook Odiare Ti Costa.

Riprendo volentieri anche l’iniziativa dell’Associazione Pepita Onlus in collaborazione con Fondazione Carolina. Gli educatori di Pepita hanno stilato un vademecum che suggerisce agli adolescenti come trascorrere le giornate: 12 consigli variopinti per 12 tappe quotidiane alternate a un video tutorial per mamme e papà.

“Siamo da sempre al fianco dei ragazzi e delle loro famiglie – ha spiegato Ivano Zoppi, Presidente di Pepita e Segretario Generale della Fondazione Carolina – a scuola, in oratorio, nelle attività pomeridiane. Ora che la loro quotidianità è stravolta, stiamo ricevendo messaggi da genitori e insegnanti che ci chiedono di suggerire loro qualche attività per ridare una routine alle giornate. Ci siamo messi al lavoro e abbiamo pensato a questo progetto che, grazie al digitale, consente ai ragazzi di sentirsi parte di questa sfida globale e ai genitori di vivere più serenamente questo ritiro forzato dalle abitudini di tutti i giorni”.

Sono 12 spunti mediati attraverso altrettanti post per invitare a essere connessi con sé stessi e con gli altri. Nonostante il target sia rappresentato dai giovanissimi, in realtà tutti possono beneficiare dei suggerimenti, che hanno la loro base in un sensatissimo #SeEsciSeiFuori. Io stesso, che adolescente non sono da secoli, ne ho trovato spunto. Libri, film, socialità via web, approfondimenti nella cultura, spunti di cucina, esercizi fisici sono alcuni degli stimoli proposti.

Prendo spunto da libri e documentari. Tra i libri mi sento di consigliarne uno che ho apprezzato molto per come permettere di riflettere su qualcosa che ci è familiare. Ne Le parole sono importanti, Marco Balzano parte dal nostro quotidiano per entrare nelle parole che mai come in momenti come questo vanno pesate. Non è un vocabolario né un noioso trattato di etimologia. Semplicemente è un viaggio attorno e dentro parole di uso comune che, proprio per la facilità con cui le usiamo, spesso ci scivolano via. Uomo, felicità, social, scuola, fiducia, Resistenza, sono solo alcuni dei capitoli. Non li cito a caso.

Scoprirete una connessione straordinaria non solo tra i significati ma anche per l’influenza che possono avere nella nostra vita. Homo, uomo, ha la stessa radice di humus, terra. L’aggettivo felix, felice, ha la stessa radice di fecundus ed è un termine riferito alla capacità di generare. Humus sta a fecundus come l’uomo sta alla felicità e dunque solo l’uomo felice può dare frutti buoni? Lascio a voi scoprirlo perché, dopo aver letto queste 83 scorrevolissime pagine, sono sicuro che ogni parola che pronuncerete non sarà affidata al vento per essere dispersa. 

Questo articolo è pubblicato anche sull’Huffington Post.